En cette ère cinématographique, la plupart des réalisateurs ont tendance à utiliser le budget de production d’un film en utilisant des décors complexes, des technologies de tournage ou des images de synthèse complexes afin de donner un sentiment de réalisme au public qui regarde le film et de renforcer le sentiment d’immersion dans son univers. Cependant, en 1995, les réalisateurs danois Thomas Vinterberg et Lars Von Trier ont établi 10 limites de tournage qu’ils se sont imposées avec le Dogme 95, un mouvement cinématographique visant à simplifier la réalisation des films et à attirer l’attention du public sur les performances et l’écriture d’un film. Parmi les 10 règles qu’un film devait suivre pour être certifié Dogme 95 figuraient des directives telles que la caméra devait être tenue à la main tout le temps, sans trépied ni appui sur une surface, le film devait être tourné sur place et tous les accessoires utilisés devaient être trouvés dans le même lieu, et le réalisateur ne pouvait pas être crédité, entre autres. Si le mouvement du Dogme 95 a été bref, le premier film réalisé dans ces conditions, Festen (1998) de Thomas Vinterberg, est un exemple marquant du cinéma dramatique en raison de son faible budget, de l’utilisation de performances fortes et de la mise en œuvre d’un scénario à plusieurs niveaux.

Dès le début, on ressent le manque de budget par l’utilisation de cartons-titres muets montrés dans l’eau, avant de passer à des plans granuleux, tournés à la main, du personnage principal Christian (Ulrich Thomsen) errant sur une route de campagne en direction de la fête d’anniversaire de son père, avant d’être récupéré par son jeune frère Michael (Thomas Bo Larsen), qui est montré en train de conduire avec sa famille en direction de la même réunion familiale, chassant sa famille de sa voiture pour pouvoir y conduire Christian seul. Dans les cinq premières minutes du film, le public est immédiatement plongé dans une expérience cinématographique unique, où l’imagerie propre associée au visionnage d’un film est immédiatement abandonnée au profit d’une imagerie granuleuse qui prend une teinte jaune soleil en raison d’un manque d’éclairage approprié et d’une qualité de film inférieure due à l’utilisation d’une modeste caméra à main qui ne peut utiliser une pellicule plus fine en raison des limites imposées par le format Dogme, préparant presque un public inexpérimenté aux révélations dramatiques peu séduisantes d’une agression sexuelle familiale aussi laide que les images présentées.

Cette séquence de cartons-titres abrupte est une bizarrerie visuelle qui, à l’insu des spectateurs qui la regardent pour la première fois, fait également allusion à la tragédie familiale du suicide de Linda, la sœur jumelle de Christian, dans sa baignoire, par le biais d’un lien purement visuel avec le reflet de l’eau sur les cartons-titres, qui correspond au traumatisme de l’eau qui est au cœur du drame du film. Plus tard dans le film, Christian est rassemblé avec Michael, sa sœur Helene (Paprika Steen) et le reste de la famille dans une grande pièce avant le début du déjeuner d’anniversaire, où les différents membres de la famille discutent entre eux tandis que la scène est filmée dans diverses séquences filmées en caméra épaule. Ce moment donne un air de vidéo familiale faite maison en raison de la nature imparfaite des cadres au lieu de l’utilisation d’un trépied en raison des normes du Dogme, ce qui donne au public un grand sentiment d’immersion dans le fait que les séquences sont montrées comme de vraies personnes qui parlent entre elles, au lieu d’acteurs qui dépeignent des personnages, si elles étaient tournées de manière perfectionniste. En outre, ce moment du film met en évidence un sentiment de voyeurisme en raison de l’impression de vidéo amateur des prises de vue, car la nature de la classe supérieure de la famille et les crimes sexuels bientôt révélés de Helge (Henning Moritzen) ne seraient pas vus par un public typique dans le monde réel, de sorte que les séquences fonctionnent plutôt comme un point de vue de cette perspective invisible en raison de la méthode de tournage négligée qui est inconfortablement réaliste.

L’incident décisif où Christian révèle à toute la famille réunie autour de la table à manger que le suicide de sa sœur jumelle est dû aux abus sexuels qu’ils ont tous deux subis de la part de leur père lorsqu’ils étaient enfants est présenté avec un ton neutre qui est presque ignoré par certains des membres de la famille présents dans la pièce comme une étrange plaisanterie ou qui est immédiatement ignoré avant qu’ils ne puissent pleinement comprendre ce qu’ils viennent d’entendre. La manière presque nonchalante dont Christian révèle le traumatisme caché à la famille est aussi choquante pour un premier spectateur que pour les personnages du film, car il n’y a pas d’accumulation dramatique qui permettrait de supposer la présence d’une histoire horrible à l’avance, comme en témoigne l’absence de bande sonore ou l’utilisation de zooms dramatiques sur le visage d’Ulrich Thomsen lorsqu’il prononce ses paroles. Les réactions presque silencieuses des acteurs qui l’entourent apportent encore plus d’authenticité à la nature des personnages, car leur ignorance feinte de cette révélation serait attendue d’une famille de la classe supérieure du monde réel qui essaierait de cacher son choc et son horreur pour conserver l’illusion d’un haut niveau social et se distinguer d’une famille de la classe inférieure qui serait surreprésentée dans les mêmes histoires d’abus et de traumatismes familiaux.

Plus tard, vers le dénouement du film, alors qu’Hélène lit en larmes la lettre de suicide de Linda lors du dîner qui confirme les accusations d’agression sexuelle révélées par Christian, Helge tente de détourner l’attention de la lettre cinglante en essayant de faire griller la lettre elle-même. Mais le personnel refuse de suivre ses instructions, ce qui provoque une explosion de colère avant qu’il ne déclare cruellement que l’agression de Christian et Linda était tout ce à quoi ils étaient bons, et qu’il quitte la pièce pour le reste de la nuit. Ce moment est le point culminant d’un acteur au sommet de son art, car la récitation larmoyante par Paprika Steene des derniers mots déchirants des lettres est rendue encore plus puissante sans l’utilisation de cordes orchestrales sentimentales qui éloigneraient le public du sentiment naturaliste du film, en se concentrant sur une méthode principalement visuelle de visages désespérés montrés en silence écoutant les mots lus par l’acteur, comme cela se produirait dans la vie réelle, rendant la scène plus puissante grâce au peu de superficialité ajouté pour forcer une réponse du public.

Contrastant avec le moment de sympathie du public de la part de Steene, l’étalage de cruauté abjecte de Moritzen et son manque de conscience sociale suscitent un sentiment de mépris de la part du public qui est rendu d’autant plus palpable par son déchaînement qui convient à un criminel révélé qui contraste avec la figure digne qui a été présentée au début du film. Sa déclaration selon laquelle ses enfants ne sont bons qu’à être agressés est prononcée sur un ton si venimeux et froid qu’elle parvient à rendre le personnage totalement répréhensible, faisant de Moritzen un antagoniste aussi efficace qu’imaginable en raison de la nature irrémédiable de la justification de ses abus.

Si la révélation par Christian de la participation de son père à des abus sexuels sur ses enfants est à juste titre choquante et dérangeante, il est suggéré plus tôt dans le film que Christian n’est peut-être pas fiable en tant que personnage en raison des problèmes de santé mentale qu’il a connus pendant la majeure partie de sa vie. Cette présence du doute permet au public d’être intrigué et de spéculer sur la possibilité que l’histoire de Christian soit fausse, intentionnellement ou non, ce qui donne un plus grand sentiment d’implication du public dans le développement de l’histoire, car la multitude de facteurs présents dans le film peut fournir des changements de perspective évolutifs qui feraient qu’une approche directe serait ennuyeuse et peu gratifiante. En outre, le thème des accusations d’agression sexuelle provenant d’une source potentiellement peu fiable, mais causant néanmoins des dommages irréversibles, permet au public de discuter de la nature des accusations après la fin du visionnage, ce qui renforce les liens avec le film en raison de la nature intrigante de ces thèmes qui seront explorés plus tard dans la carrière de réalisateur de Vinterberg avec La Chasse (2012).

Un autre exemple de l’efficacité de l’écriture de Festen est le moment où Michael fait participer la famille à une chanson raciste lorsque le petit ami d’Helene, Gbatokai (Gbatokai Dakinah), qui est noir, se moque de Michael après qu’il ait expulsé Christian de la salle à manger à deux reprises parce qu’il avait dénoncé son père comme un agresseur sexuel, en signe de soutien à Christian, ce qui provoque l’indignation d’Helene qui voit Michael et le reste de la famille participer à la chanson. Vinterberg souligne la nature toxique de Michael : les scènes précédentes d’infidélité conjugale et d’abus envers sa femme s’ajoutent à son racisme apparent pour faire de lui une représentation des aspects négatifs de la masculinité de la classe supérieure, alors qu’il tente désespérément d’hériter de l’entreprise de son père en essayant de maintenir une image ordonnée par l’intimidation mentale et physique. Vinterberg révèle également qu’en faisant abstraction des actions d’Helge dans le film, les familles danoises de la classe supérieure, telles qu’elles sont vues dans le film, auraient toujours des qualités négatives intrinsèques, comme leur racisme systémique, en raison du manque d’intégration raciale au Danemark et dans les pays scandinaves dans les populations générales, sans parler des groupes de riches qui ont une composition démographique typiquement blanche dans la plupart des continents du monde.

Bien qu’il puisse sembler peu soigné en raison des règles qu’il s’est lui-même imposées, le film de Thomas Vinterberg est une expérience visuelle efficace grâce à la façon dont ses images correspondent aux thèmes du film, aux performances des acteurs et à l’utilisation d’une grande écriture. Alors que les budgets des films continuent d’augmenter en dehors des marchés indépendants de niche, l’industrie cinématographique devient une concoction méconnaissable de superproductions artificielles et d’extravagances événementielles. Et si, après Festen et Breaking the Waves de Von Trier, la vague du Dogme 95 s’est malheureusement retirée avant d’avoir pu affecter l’industrie cinématographique grand public, elle a le potentiel de revenir en force avec le temps.

Festen en DVD et sur Prime Vidéo.