En dépeignant les thèmes de l’éclatement de la famille et une exploration des attentes de la société japonaise, Mishima fait bien de tenir un regard critique sur les normes de genre et les rôles traditionnellement limités des femmes au Japon. Menant une vie enviable, Toko Muranushi (Kaho Indō) semble quelque peu piégée dans son rôle d’épouse d’un mari prospère mais dédaigneux, Shin (Shōtarō Mamiya), et de mère d’un jeune enfant. Ce n’est qu’à travers la réactivation d’une vieille romance compliquée que Toko commence à s’interroger sur ses désirs et ses responsabilités.
Le film commence par un climat inspiré d’une tragédie récente : une teinte bleue froide se reflétant sur une épaisse couche de neige rend le film inconfortable et souvent dur à regarder. Cette acuité est immédiatement contrastée par une scène de lumière solaire et une brise chaude flottant dans les arbres, alors que Toko vient chercher sa fille, Midori (qui signifie “verte” et semble symboliser la pureté de son enfance). La nature dans les villes, en particulier les villes fortement urbanisées comme Tokyo, semble dégager plus de pouvoir et de signification que lorsqu’elle est vue en abondance dans un environnement non urbain. Les arbres sont une indication convaincante de la solitude que ressent Toko. Vivant dans sa maison tape-à-l’œil tout en se pliant aux exigences de sa sévère belle-mère et en adhérant aux règles tacites du mariage japonais, elle se sent seule et peu appréciée. Lors d’une réunion d’affaires de son mari, Toko se retrouve à errer seule dans le parc de l’hôtel où elle loge, jusqu’à ce que son absence de but culmine dans un silence délibérément abrupt lorsqu’elle reconnaît le visage d’une personne de son passé.
Blanche comme neige
Kurata (Satoshi Tsumabaki) est un personnage distant qui partage une histoire complexe mais passionnée avec Toko. Leur relation reprend dix ans après son arrêt, Kurata l’encourageant à prendre un emploi dans son cabinet d’architecture et à trouver une nouvelle orientation en dehors du foyer. Dans un sombre rebondissement, la lutte de Kurata contre un cancer en phase terminale donne une nouvelle dimension à cette histoire d’amour déjà alambiquée. Une scène de sexe intense, présentée en contraste avec une scène précédente d’intimité maladroite et rejetée entre Toko et Shin, prouve qu’avec Kurata, Toko se sent valorisée et appréciée. Cependant, bien qu’il soit principalement dépeint comme un mari indifférent et égoïste, c’est Shin qui présente le plus de développement de personnage. À la fin du film, on ressent de la pitié pour Shin et on se demande s’il n’a pas de mauvaises intentions envers Toko ou leur mariage. Ayant grandi dans une famille conservatrice et considéré comme le fils parfait par ses parents dominateurs, Shin est lui-même un produit des attentes de la société qui créent des vides de communication et de coopération entre les couples mariés au Japon.
L’intrigue générale est moderne et convaincante, agissant comme une puissante protestation contre l’idée étroite selon laquelle les femmes doivent choisir entre famille et carrière. Dans des plans magistraux utilisant une caméra épaule pour dépeindre Toko alors qu’elle appelle son mari depuis une cabine téléphonique échouée à Niigata et exprime ses frustrations et sa tristesse quant à ses sentiments envers lui, Mishima réussit à dépeindre le conflit intérieur d’une femme qui s’est mariée en raison des attentes de la société mais qui manque de lien émotionnel avec sa famille. Cependant, les plans séquences et les scènes aux techniques expertes, comme l’utilisation de couleurs vives qui incarnent les sentiments des personnages, se perdent dans le chevauchement des lignes temporelles et des lieux qui, de manière décevante, créent trop de distraction par rapport à l’intrigue principale.
L’amour, toujours.
Le film change constamment et brusquement de lieu entre Tokyo et un Niigata enneigé, où Toko et Kurata se rendent pour un voyage d’affaires, rendant la chronologie des événements confuse. Les liens ne se font pas avant le dernier quart du film, alors qu’il y a déjà trop de points de l’intrigue et que la force de The Housewife s’est transformée en une histoire mal ficelée. Les personnages sont présentés avec des détails inadéquats, et la sortie passagère de Toko avec un autre ami du travail qui exprime un intérêt pour elle est ensuite laissée complètement inexplorée jusqu’à une éventuelle conclusion forcée. De plus, la visite de la mère de Toko, le jour du Nouvel An, est insérée dans l’histoire pour ajouter une autre perspective, mais son temps d’écran est inapproprié et contribue très peu à l’intrigue générale. Malgré le petit nombre d’acteurs principaux, aucun des personnages, à l’exception de Toko, n’est suffisamment exploré pour que l’on puisse créer un lien émotionnel avec eux. Ainsi, The Housewife présente une chronologie confuse d’événements dramatiques mais peu développés. À la fin de ce long métrage de deux heures, j’ai eu l’impression qu’il manquait quelque chose, mais il est difficile de savoir exactement de quoi il s’agit.
Véritable miroir des rôles masculins et féminins au sein d’une culture très divisée, The Housewife est une description précise des luttes auxquelles sont confrontées de nombreuses femmes dont les options sont limitées. Mishima elle-même est une critique féroce de cet aspect de la vie japonaise. Elle affirme que “davantage de femmes japonaises devraient avoir leurs propres normes individuelles de ce qu’est le bonheur“. Dans cette optique, elle a réussi à faire le portrait d’une femme qui explore ses propres désirs et s’engage dans son propre voyage identitaire. Néanmoins, je n’ai pas compris l’intérêt de se concentrer aussi fortement sur les dichotomies entre la vie de Toko à Tokyo et ses expériences à Niigata. Il est devenu difficile de comprendre l’intérêt de nombreuses pistes supplémentaires, compte tenu d’un temps de narration insuffisant, et le produit final est une histoire faiblement construite.
The Housewife au cinéma le 9 mars 2022.