Querelle est le dernier film de Rainer Werner Fassbinder, tourné quelques mois seulement avant sa mort à l’âge de 37 ans. Pour la cinéaste Monika Treut, Querelle « résume ce que Fassbinder a exprimé dans plusieurs de ses films précédents », mais Querelle est intriguant également pour suggérer des directions nouvelles et inexplorées. Il partage les thèmes communs de Fassbinder de trahison, relations de pouvoir, rivalité, rituel, et l’amour, mais avec son ensemble stylisé, ses performances rigides, et l’utilisation de contrastes de couleur avec son style plus naturaliste dans les années 1970. Querelle a fait l’objet de controverses, de déceptions et de ce que Frank Episale décrit comme une « désorientation » parmi les critiques et les attentes de son public. Les critiques n’ont jamais compris comment, à plusieurs niveaux, le film de Fassbinder, comme son protagoniste Querelle, accomplit un acte de trahison consommé.

Le générique d’ouverture annonce Querelle comme « un film sur Querelle de Brest de Jean Genet », suggérant qu’il s’agit davantage d’une réponse au roman de 1947 de l’auteur français qu’une adaptation qui privilégie la fidélité. L’histoire de base, que Fassbinder a décrite comme « une histoire assez inintéressante (en fait, de troisième classe) sur un criminel » est essentiellement respectée, mais le monde étrange de Genet est redessiné dans un paysage surréaliste ou le fantasme fétichiste de Fassbinder du roman.

Bien que Fassbinder ait abordé d’autres genres tels que le mélodrame avec une combinaison de sincérité et d’ironie par exemple, dans Tous les autres s’appellent Ali, la façon dont il a abordé Genet avec cette double vision, « en embrassant simultanément l’angoisse luxuriante du matériau source et en le recontextualisant dans une sensibilité post-Brechtienne et post-moderne », est plus désorientant pour le public. Fassbinder décontextualise Querelle de Brest de Genet : le cadre de Brest, ancré dans un sens réel et nostalgique de la place de Genet, est artificiel et kitsch, et les costumes et accessoires se rendent difficile à localiser dans une époque reconnaissable. La tension entre la sincérité et l’ironie peut aussi être due aux luttes que Fassbinder aurait eues pour adapter les thèmes érotiques du roman : « Il s’est frayé un chemin à travers les différentes couches du texte, essayant de décider comment gérer la sexualité », selon Harry Baer (assistant réalisateur et acteur). Querelle est sans doute à la fois le dernier film du Nouveau cinéma allemand et un précurseur du New Queer Cinema. Au début des années 1990, les cinéastes du New Queer Cinema tels que Gregg Araki, Tom Kalin et Todd Haynes ont embrassé et politisé les éléments de la transgression, la perversion, et l’association entre la criminalité et l’homosexualité que Fassbinder avait plus ambivalentement ou ironiquement commencé à s’approprier de Genet en 1982. Ces derniers retournent à l’esprit de ce dernier, qui appartenait à une tradition de littérature transgressive qui dépeignait la dépravation, la trahison et la criminalité comme transcendantes ou utopiques.

Les représentations ambivalentes de l’homosexualité de Fassbinder étaient controversées à l’époque, par exemple, James Roy MacBean a vu Querelle comme offrant « peu, voire rien, qui pourrait être constructif, soit vers une compréhension harmonieuse entre les gais et les hétéros ou vers une esthétique vibrante et viable du cinéma gai. » Dix ans plus tard, la place du film dans le cinéma queer est plus appréciée. En regardant les films gais de Fassbinder, Al LaValley écrit en 1994 que « Ils ne prêtent aucune attention aux principes de la libération des gais et pourtant ils en ressortent, ce qui me semble une marque de leur pouvoir et de leur excitation continue. Des films comme Les Larmes amères de Petra von Kant, Le Droit du plus fort et Querelle ont abordé des questions telles que l’exploitation, la dominance, la classe sociale et l’expression de genre « qui ont été peu traitées dans les films gays ou, lorsqu’on les regarde, suivent des lignes politiquement correctes ou les formes de fantasme masculin dominant. » Les films gays de Fassbinder semblent encore radicaux à certains égards, encore aujourd’hui (plus de 20 ans après l’observation de LaValley), parce que ces questions restent sous-explorées dans le cinéma queer.

Une autre tension dans le film est créée par la façon dont il fonctionne simultanément à l’intérieur et contre les deux styles arthouse et la pornographie gay, les frontières de genre difficiles et les sensibilités du public. Les ventilateurs de Fassbinder reconnaîtront son utilisation auteuriste des surcadrage, les perturbations fréquentes du regard créées par les miroirs, le verre, les cadres de porte/fenêtre et la bisection verticale du cadre avec divers objets. Ces recadrages, conjugués à la mise en scène et à la proéminence de l’ensemble à l’intérieur du cadre, créent un confinement qui s’écoule à travers la brume de couleur, la mise au point douce et les gros plans dégagés dans les scènes de sexe. Les scènes de sexe fournissent une ancre dans le film, suturant le spectateur à travers un montage habile (par Juliane Lorenz) et se tenant en contraste avec d’autres scènes dans lesquelles nous observons des marins stiltes engagés dans la violence ritualiste, regards érotiques, et le mouvement chorégraphié. L’un des aspects les plus frappants de Querelle, qui le maintient en mémoire visuelle, est sa couleur : une chaude lueur orange imprègne le film et élève sa température. Dans Lola (1981), Fassbinder a utilisé des roses et des verts criards dans un design d’éclairage de style similaire. Les films de Douglas Sirk sont peut-être à l’origine de l’éclairage et des ombres non naturelles qui traversent les visages de Querelle, alors que Fassbinder admirait ces techniques dans les mélodrames de Sirk.

Richard Misek soutient que Querelle présente un défi idéologique à l’hégémonie de la lumière blanche dans le cinéma, la qualifiant de « rejet le plus soutenu de la lumière blanche » dans le cinéma analogique. Misek explique que la lumière blanche à l’écran n’est pas un processus neutre de représentation : la lumière blanche est devenue (et demeure) la température de couleur dominante et soi-disant « naturelle ». Analogue à la façon dont la littérature queer et le cinéma remettent en question le pouvoir de représentation de l’hétéronormativité dans la construction de certaines mœurs, comportements et relations comme normaux, naturels et invisibles. L’œil humain a tendance à ne pas percevoir les températures de couleur à moins qu’elles ne se mélangent, de sorte que l’utilisation de bleu vif et de vert qui déclenche la lueur orange est une autre couche d’innovation esthétique et technique qui souligne les nombreuses trahisons de Fassbinder.

Querelle a été le dernier film de plus de quarante longs métrages de la remarquable carrière de Fassbinder, mais est souvent considéré comme une anomalie et une décevante finale. Cependant, une compréhension et une réévaluation des trahisons de Fassbinder du roman de Genet, de la sensibilité du public, de la politique de libération gay, des frontières de genre et des conventions cinématographiques (en particulier la lumière blanche) peuvent conduire à une appréciation de sa valeur culturelle, esthétique et restaurer notre foi dans la conclusion de Fassbinder.

Querelle est disponible en DVD/Blu-ray.