“L’heure de gloire de tout homme est ce moment où il s’est donné à fond pour une bonne cause et où il repose épuisé sur le champ de bataille… victorieux.” – Vince Lombardi, cité dans Sye (2004, S.S. Rajamouli)

L’une des plus agréables surprises de mon parcours cinéphilique jusqu’à présent a été la découverte des films du réalisateur indien télougou S.S. Rajamouli. Il est rare que je découvre un cinéaste aussi engagé dans sa vision du cinéma – sans aucune prétention à la sensibilité de l’art et essai ou à la déconstruction des genres – et que j’en devienne complètement fasciné. Mais ne vous y trompez pas : la filmographie du réalisateur de 48 ans est aussi artistiquement fondée que n’importe quel grand nom du cinéma mondial. Né dans une famille ayant travaillé dans divers domaines de la production cinématographique, Rajamouli a été exposé au grand écran dès son plus jeune âge. Il a notamment éprouvé une grande fascination pour les images “plus grandes que nature” et le divertissement fantastique. Ce désir de voir naître des productions à grande échelle a également amené Rajamouli à développer une vision très économique du cinéma, anticipant les recettes du box-office qui l’aideraient à financer ses projets cinématographiques ultérieurs.

En tant que tels, les films de Rajamouli relèvent du genre masala de l’industrie cinématographique indienne. Le terme “masala” fait référence aux mélanges d’épices largement utilisés comme base des saveurs dans la cuisine indienne. De même, les films masala intègrent divers genres tels que la romance, la comédie musicale, l’action, le fantastique et la comédie, entre autres, dans une fascinante association de styles cinématographiques afin de séduire le plus grand nombre de spectateurs possible. Le genre masala est si populaire qu’il est devenu synonyme de cinéma indien grand public et est donc le style le plus compatible avec la vision artistique de Rajamouli. S’inspirant des épopées américaines des années 50 (en particulier Ben-Hur de William Wyler) et des films telugu Missamma (1955) et Mayabazar (1957), Rajamouli comprend que le film, à la base, est un tableau en mouvement. Sa caméra ne cesse de bouger et est toujours dirigée vers l’action, que ce soit par des coupes rapides, des montages musicaux, des zooms ou des travelling. Souvent, il met encore plus l’accent sur ces moments avec l’utilisation de ralentis et d’effets visuels grandioses, renforçant encore leur énergie dynamique.

Avec un réalisateur plus faible à la barre, cette approche formelle serait épuisante à suivre pour le public. Rajamouli, cependant, est capable de tirer parti de la musicalité inhérente au cinéma indien traditionnel et de l’utiliser pour donner du rythme à ses récits. L’omniprésence d’instruments à percussion et de cuivres ainsi que de chants choraux dans ses partitions musicales y contribue. Ainsi, ses films ne se contentent pas de bouger, ils dansent aussi au rythme de l’histoire et de l’orchestration du réalisateur Rajamouli. Ce cinétisme aussi excessif qu’ordonné est justifié par la portée épique de ses films. Aussi variés que soient ses personnages – une riche collection d’étudiants, de petits criminels, de gangsters, de dieux, de guerriers, de combattants de la liberté, d’une mouche à merde et même d’un vélo doté d’intelligence – il les présente toujours de manière grandiose. Son penchant pour la théâtralité et les séquences d’action démesurées permet à ses histoires de se développer au-delà de l’imagination et prouve l’immense maîtrise du réalisateur sur le support cinématographique.